El ranking elaborado por la magazine internacional de Mojo, especializada en música, nos propone una selección cuidadosa de las 20 mejores canciones del mítico grupo The Beatles. La lista ha sido elaborada siguiendo un criterio musical generalizado basado en el estilo y ritmo musical. La lista ha recibido la crítica de otros músicos contemporáneos seguidores de la banda.

El top-20 de Los Beatles ha sido comentado por otros artistas como Ozzy Osbourne, Tori Amos, David Crosby, John Cale, Gnars Barkley, Pete Shelley, Win Butler o Tom Rowlands entre otros.
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Roxy Music se caracterizó por ser una de las bandas rock experimentales de los ochenta más productivas, y cuyos temas han perdurado incluso 30 años después de haber sido presentados. Leer Entrada Completa…

Con Cenando un muerto, Caminos del Sonido fundó de manera oficial un nuevo género musical: el Desecrate, o profanación del Punk. Leer Entrada Completa…

Billie Jean no fue únicamente un tema del álbum con el que Michael Jackson se convirtió oficialmente en “Rey del Pop”, sino que también sigue siendo uno de los míticos grándes éxitos del Pop en la Historia.

En 1983 Michael Jackson irrumpió de lleno en todos los medios musicales y televisiones del mundo con un álbum con el que revolucionaría no sólamente el género pop; sino también el mundo de los videoclips musicales. Con Thriller, el recientemente fallecido artista norteamericano logró pasar a la Historia y convertirse en Rey del Pop.

Desde entonces, la carrera de Jackson según coinciden en señalar muchos críticos, no logró seguir en ascenso, sin embargo existe prácticamente unanimidad total en señalar que en Thriller podemos encontrar una de las grandes obras maestras del Pop de todos los tiempos, y de ese álbum se pueden rescatar a buen seguro muchos temas.
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Nadie podía imaginar, en el momento que Bob Dylan presentó la canción ‘The times they are a-changing’ (1964) que sus palabras resultarían proféticas cinco años más tarde.

Sí, como lo visualizó Dylan, 1969 fue un año de cambios, de grandes nombres que alteraron el curso de la historia, prolífico para las artes, el cine, la ciencia y la tecnología, en medio de una atmósfera social que irradiaba alegría y que por cuenta de la sevicia humana también tuvo visos de intolerancia y violencia. Atrás iban quedando el hippismo y el flower power, para dar paso a una sociedad contestataria y menos inmune a las nuevas drogas. Leer Entrada Completa…

Su nombre verdadero no era Andy Russell, Andrés Rabago Pérez, que no nació en Sudamérica sino al este de Los Ángeles (Estados Unidos), fue uno de los diez hijos de padres nacidos en México, que a su vez tenían ascendencia española.

Desde la adolescencia, Andrés se interesó por la música y comenzó a cantar, a través de bandas locales con otros hispanos norteamericanos, como Ramón Cruz.

Fue a partir de los inicios de la década de los 40 cuando tomó la decisión de cambiar su nombre al artístico Andy Russell, ya que pensó que así seguramente tendría mucho más éxito en el mundo de la música. Para elegir tal nombre, tomó inspiración de uno de sus músicos favoritos: Russ Colombo.

Su ascenso a partir de entonces fue imparable, y rápidamente comenzó a tocar en muchas radios y a realizar actuaciones en directo. Pese a que algunos decían que Andy podría haberse llegado a convertir en una estrella de un género que se desarrollaría algunos años más tarde, el rockabbilly, finalmente se especializó en música romántica y boleros, firmando en 1944 su primer contrato discográfico con Capitol.

Con el paso de los años, Russell llegaría incluso a participar en prestigiosos programas radiofónicos para sustituir nada menos que a Frank Sinatra, sin embargo, ensombrecido por la sombra del gigante crooner por excelencia de los Estados Unidos, en aquel país nunca se le llegaría a valorar como a él le hubiera gustado, y tal vez, según algunos críticos como Antonio Cuenca, como se le debía y merecía.

De todos sus temas versionados y compuestos, hay uno que ha pasado a sonar en muchas radios a nivel internacional, mucho después incluso de haber estado de moda, y ese es sin lugar a dudas Soy un extraño, un tema que representa la galantería típica de la época en la que se presentaban los diversos cantantes románticos, y que se puede escuchar aquí.

Según críticos como Tovald Axel, el éxito de este tema se debe a que está compuesto de una manera musical muy adelantada a su época, lo que hace que pueda gustar con facilidad lo mismo a un público joven y contemporáneo que a gente de mucha más avanzada edad.

Nat King Cole es, sin lugar a dudas, toda una leyenda en el mundo de la música internacional de las décadas de los 50 y 60.

De él es difícil a día de hoy encontrar álbumes o vinilos originales, sin embargo está al alcance en cualquier tienda musical un recopilatorio lanzado por EMI en 2005, cuando se conmemoraba el 40 aniversario de su fallecimiento.

Nat King Cole en español, reunió los veinte mayores éxitos que el vocalista y pianista de jazz y música tradicional norteamericano llegó a grabar en español, totalmente remasterizados y sin retocarse ni una sola notani tonalidad del mismo, a diferencia de lo que se llegó a hacer con otros artistas, aplicando remixes y similares.

A través de los temas en español que grabó, King Cole pasó a la historia por ser versionador de Ansiedad, Cachito, Yo vendo unos ojos negros, Acércate más o la famosa Aquellos ojos verdes, que durante las últimas semanas en España suena con frecuencia de nuevo en los anuncios de una conocida marca de hipermercados.

Cole grabó en vida tres álbumes completamente en español, el primero de ellos Cole en español, grabado en Cuba en 1958, el segundo, A mis amigos, en Brasil, y finalmente De nuevo Cole en español, en México, en 1961, pocos años antes de morir víctima de un cáncer, cuando todavía no haía cumplido los 48 años.

El álbum cuenta con un libreto con textos del periodista José Ramón Pardo, en el que recuerda que Nat King Cole, padre de la también cantante Natalie Cole, grabó tres álbumes en castellano: Cole en español, grabado en Cuba en 1958, A mis amigos, hecho en Brasil, y De nuevo Cole en español, producido en México en 1961.

Durante la década de los 50 y 60 llegó a ser uno de los artistas más respetados y famosos de la canción melódica, llegando a la altura de artistas como Frank Sinatra.

‘Down to Earth’, la canción de la preciosa película animada Wall-E, ha sido la rotunda perdedora de los premios de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas, compitiendo con las también aclamadas: ‘Jai Ho’ de Slumdog Millonaire, que fue la total vencedora.

A pesar de que Peter Gabriel no quiso actuar en la ceremonia de los Oscar por ego, ya que eran escasos 65 segundos, la canción fue interpretada por profesionales, dejando al cantautor muy bien parado, a pesar de que no ganó.

La canción que enamoró a chicos y a grandes tiene ahora el reconocimiento de la gente, y no dudamos que en un futuro no muy lejano, Peter Gabriel puede volver a competir en esta ceremonia de los Premios Oscar, esperemos que ya no se enoje por las cortas apariciones que son obligación del protocolo.
El 13 de febrero de 1950 Inglaterra vio nacer a Peter Gabriel, él músico de rock que inició con la banda génesis, y que acabó en solitario vendiendo miles de discos en todo el mundo.

Peter Brian Gabriel, (n. 13 de febrero de 1950, Chobham, Inglaterra), es un músico inglés de rock. Se hizo conocido como miembro de la banda de rock progresivo Genesis, que fundó cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford.

Su primer éxito fue el sencillo “Solsbury Hill”, una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, no fue hasta el tercer álbum Games Without Frontiers” que logró el máximo éxito comercial.

Peter Gabriel se ha caracterizado por componer excelentes temas para las películas, ya que en 1989, compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, “Passion”, para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel.

Un paro cardíaco ha matado al gran clásico del Jazz Snooks. Eaglin, que fue un virtuoso de la guitarra y uno de los mayores representantes del blues de Nueva Orleans. Nacido en 1937, pronto perdió la vista a causa de un glaucoma. A los catorce años empezó a ganarse la vida como músico. Su primer trabajo estable fue como miembro de los Flamingos, una popular banda de rhythm & blues, en la que Allen Toussaint tocaba el piano.

El fin de los cincuentas lo vio grabar sus dos mejores álbumes de folk. A principios de la década siguiente grabó varios singles para el sello Imperial Records. Tras la “British Invasion”, que redujo el mercado del rhythm & blues, Eaglin se retiró temporalmente.

El New Orleans Jazz and Heritage Festival de 1970 relanzó su carrera. A lo largo de los ochenta realizó diversos discos para Black Top Records. En los años siguientes participó anualmente el Jazz Fest. A lo largo de su carrera se granjeó la admiración de músicos como Bonnie Raitt o Robert Plant.

Estas dos empresas, Experience Hendrix, L.L.C. y Authentic Hendrix, LLC , son las encargadas del legado del ex guitarrista Jimi Hendrix, que la familia compromete a preservar y proteger el legado del legendario guitarrista, que marcó la década de los sesentas.

Gracias a la celebración de las contribuciones culturales y artísticas de Hendrix en todo el mundo, Experience Hendrix, L.L.C. y Authentic Hendrix, LLC han establecido la norma en materia de gestión de los derechos relativos al nombre, imagen y música de un músico y artista de gran talento.

Si quiere tener más información sobre la vida de Jimi Hendrix y averiguación corporativa sobre Experience Hendrix en www.jimihendrix.com.
Jimi Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942, en la capital estadounidense, en el seno de una familia humilde, sin este saber, que le deparaba un futuro prometedor volviéndose en un ídolo de la música.

Es, sin duda, el mejor guitarrista de todos los tiempos, y por poco lo superan, pero el fue el pionero en hacer llorar la guitarra como nadie. Además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica.

Su carrera artística fue breve, pero de lo bueno poco, innovando con las estructuras y el sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk.

Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.

Aquí les ponemos el video de tan emblemática tocada.