La canción Moonlight Shadow, existe desde 1983, y está fuertemente arraigada en la memoria de todos nosotros. Este potente hit, fue creado por el multiinstrumentista británico Mike Oldfield, y se convirtió en uno de sus temas más exitosos.

Otro de sus temas exitosos fue Tubullar Bells. Si escuchamos ambas canciones, resulta poco probable que podamos relacionarlas como frutos del mismo autor. Tubullar bells es un tema íntegramente instrumental con un aura oscuro y de misterio, que lo llevó a ser parte de la banda sonora del film “El exorcista”.
Moonlight shadow, en cambio, es un clásico tema pop, interpretado por la dulce voz de la vocalista escocesa Maggie Reilly.
Según el propio Mike Oldfield, la letra de este tema hace referencia a la muerte de John Lennon. Si bien la canción narra la historia de una chica que es testigo del asesinato de un hombre en los bosques, mientras ella no puede hacer nada por detenerlo, eso no es una clara referencia al asesinato del Beatle.
Sin dudas el hecho de que un mismo autor haya creado estas composiciones tan distintas entre sí, indica claramente la amplitud de criterios de Mike, quien es capaz de aggiornarse a dos estilos completamente diferentes, y hacer creaciones exitosas en ambos.
Tal vez esto haya sido posible gracias a que su familia está muy ligada a la música: su hermano mayor, Terry, es un exitoso compositor de música para documentales televisivos. Su hermana Sally, logró un gran éxito con el tema Mirrors.
A los 7 años de edad, Mike Oldfield ya tocaba la guitarra, y con tan sólo 10 años de edad, ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. Sin dudas, desde pequeño mostraba gran virtuosismo en la música. Además, siempre se dedicó de lleno a eso, porque también era una forma de escape de la vida familiar complicada que le tocó vivir.
En esa época descubrió que lo que tocaba le gustaba a la gente, y consiguió espacio en un club de folk en donde lo dejaban tocar dos instrumentales de 15 minutos. Cuando cumplió 13 años, su familia se trasladó a Romford, donde Mike abandonó la escuela y junto con su hermana formó su primer grupo, un dúo folk. hippie con el que consiguieron grabar su primer disco con la compañía discográfica Transatlantic.

Hoy voy a referirme a un clásico cantado en francés, para variar. Se trata de “C’est la ouate” (una posible traducción sería “como de algodón”). Es un hit que surgió en el año 1986, y está interpretado por Caroline Loeb.
La intérprete, Caroline, nació en Octubre de 1955, es francesa y además de cantar, dedicó su vida a la acutación y a dirigir teatro.  Hay un video en youtube del hit “c’est la ouate”, en donde se la puede ver con una sorprendente similitud con Boy George: El maquillaje oscuro en los ojos, colorado en los labios, delineado por demás y todo eso sobre una base blanca, caracterizan todo un estilo de la época, que al parecer los hacía asemejarse por igual, más allá del sexo al que pertenecieran. No sólo el maquillaje caracteriza la estética de la época, sino también los accesorios y peinados que se usaban en ese entonces.
El tema, cantado completamente en francés, es una descripción acerca de una mujer perezosa, parsimoniosa, de pocas palabras y de aspecto frío y calculador, que va por la vida seduciendo hombres, dejandose llevar por las situaciones que se le presentan en el momento. Sobre el estribillo, reza que de todos los materiales, es el algodón el que ella prefiere.
Caroline Loeb se convirtió en una estrella gracias a este tema del que es intérprete y co- autora. Fue un éxito internacional, alcanzando los primeros puestos en Italia, España y Francia, y llegó al número 10 en Alemania, Austria y Argentina. Sin embargo, su primer disco “Piranana” había salido al mercado ya en el año 1983. Posterior al gran hit, en 1987 publica su segundo álbum, “Loeb CD”. Por mucho tiempo se tomó un largo descanso en el mundo de la música, ya que su próximo disco lo lanzó recién en 2004, y fue un grandes éxitos, sin material nuevo. Este mismo año 2009 estrenó su último disco, “Crime parfait”, que significa crimen perfecto.
La trayectoria de la artista deja ver que en relaidad tuvo muchas más participaciones en la industria del cine, que lo que produjo con respecto a la música. Se pueden contar catorce participaciones en films de la actriz, y dos cortometrajes, contra sólo cuatro álbums de estudio. Un dato bastante curioso, ya que no fue conocida mundialmente más que por el gran éxito de este pegajoso hit de 1986.

El tema “7 seconds”, fue un éxito que permaneció en las primeras posiciones de los rankings durante más de medio año, en 1994. Es una colaboración de Neneh Cherry para Youssou N’Dour, y fue un single incluído en su disco Guide (Wommat), en 1994. Aunque no se detuvo allí.
El tema fue en sucesivas oportunidades interpretado a dueto para festivales de beneficiencia y toma de conciencia tales como el festival musical de la fundación Nelson Mandela para la lucha contra el Sida llamado 46664, o el tan conocido Live 8. En estos festivales, Youssou N’Dour lo interpretó junto a Dido, o Annie Lennox, además de la versión original con Neneh Cherry. Aunque hay que destacar que ninguna de las posteriores versiones superan a la de Neneh.
La particularidad de este tema es que está cantado en tres idiomas: el primero es Wolof, una lengua hablada por tres millones de personas en Senegal, Gambia y Mauritania, y de hecho, es la lengua nativa de Youssou N’Dour, que es senegales. Además también está cantado en francés e inglés. El contenido del mismo es en resumen una reflexión acerca del condicionamiento que deben vivir las personas por su raza o color de piel desde el momento del nacimiento. Se dice que se llama 7 seconds (que significa 7 segundos), en referencia al tiempo en el que un bebé, cuando nace, tarda en comenzar a percibir las influencias del mundo exterior. Podría decirse entonces que sólo durante ese tiempo en toda su vida, una persona puede estar libre de los prejuicios y condicionamientos que la sociedad tiene preparados para él, según su raza o color de piel.
No es la primera vez que Youssou N’Dour se involucró en esta clase de asuntos sociales y culturales. En realidad este senegalés es conocido por su compromiso con estos temas. Por ejemplo, desde el comienzo de su carrera ayudó a la difusión del mbalax, la música popular de Senegal. Además, en 1985 organizó un concierto por la liberación de Nelson Mandela, y en 1988 estuvo en la gira mundial de Amnistía Internacional “Human Rights now Tour”. También trabajó para la ONU y UNICEF, y participó en un proyecto dedicado a instalar Internet en Senegal.

Hoy quise centrarme en un tema que ha sido intrerpretado cientos de miles de veces, en cuanto programa de talentos existió en la televisión mundial. Con sólo buscar un poco en los archivos, pordemos encontrar, por ejemplo, a una reciente cantante pop británica, llamada Leona Louise, ganadora del reality show Factor X, que lo interpretó para este programa.
Se trata del tema “Without you”, ese que dice: “I can’t live, if living is without you…” (¿suena muy familiar, verdad?). Lo cierto es que remontándonos un poco a sus orígenes, podemos encontrar que sus autores, ambos hombres, fueron Pete Ham y Tom Evans, líderes del grupo Badfinger, una banda británica pionera del estilo llamado power pop, que grabó el tema para su álbum No Dice, en 1970. Se la asoció durante algún tiempo a Los Beatles por su estilo, y porque además también tuvieron un contrato discográfico con Apple Records.
Sin embargo, un mal manejo de los representantes, sumado a los problemas financieros de la compañia Apple records, hicieron que la banda tuviera inconvenientes y perdiera millones de dolares que le correspondían por sus derechos de autor. Toda esta serie de inconvenientes, que se prolongó por varios años, llevó al suicidio a los compositores del hit del que estamos hablando: Peter Ham se suicidó en Abril de 1975, y Tom Evans decidió poner fin a su vida 8 años más adelante, ahorcandose en Noviembre de 1983. Sin dudas, es una historia demasiado trágica y contrastante con la dulzura del tema que compusieron juntos.
A pesar de esta historia, “Without you” perduró en el tiempo, y fue en 1971 cuando Harry Nilsson lo interpretó, alcanzando su mayor éxito. Tal vez haya sido mayor el éxito que Nilsson pudo lograr con este tema que el que lograron sus propios creadores, y tal vez por eso haya sido tan trágica la decisión  del suicidio por parte de sus compositores.
En la versión de Nilsson se puede apreciar una variación en las escalas musicales con gran intensidad  dramática por parte de quien la canta, detalle que no había sido explotado por Badfingers. De esta misma forma fue interpretada posteriormente por miles de autores melódicos, muchos de ellos mujeres. Mariah Carey, Whitney Houston y Celine Dion se animaron a interpretar este tema. También existe una versión más antigua, de Air Supply, y tantas otras versiones más, que sería difícil y tedioso de enumerar, porque este tema se ha convertido en un verdadero himno de las baladas románticas, por lo que fue y seguirá siendo interpretado miles de veces.

El tema a punto de ser presentado perduró en el tiempo hasta la actualidad, alcanzando más trascendencia que el intérprete del mismo. Se trata de “The wicked game”, o juego perverso, en español, y es cantado por Chris Isaak, un músico de rock y actor ocasional que nació el 26 de Junio de 1956, en los Estados Unidos.
Chris comenzó su carrera musical en 1984, al firmar un contrato con Warner Bros. para su primer álbum, “Silvertone“. Aunque no fue hasta 1989 que logró alcanzar la cúspide de la fama. En ese año, con su segundo disco de estudio, “Heart Shaped World”, dió en la tecla al incluir “el juego perverso” como uno de sus singles. Este tema, fue posteriormente incluído en dos bandas sonoras: para una versión instrumental de “Corazón salvaje”, y para la película “Hombre de familia”, en el año 2000.
Se dice que Lee Chusnut, un director musical de estaciones de radio, al estar tan obsesionado con las películas de David Lynch, comenzó a pasar la versión completa de “Wicked game” una y otra vez, y rápidamente escaló posiciones hasta llegar a ser un hit número 1. El video del tema, protagonizado por el mismo Chris, fue un éxito en cadenas como MTV, y VH1.
Con respecto a otras versiones registradas del tema, la banda fonlandesa HIM hizo un cover del mismo, que fue incluido en varias ocasiones: en uno de sus demos, también en su primer álbum de estudio, y por último, en la versión británica de su segundo álbuim “Razorblade Romance”.
Si bien la vida de Chris Isaak se mantuvo con un perfil bastante bajo después de aquel hit, Isaak siguió aportando material a la industria cienmatográfica. En 1999, su tema “Baby did a bad, bad thing”, fue usado por Stanley Kubrick para su film “Eyes wide shut”. También compuso un tema musical para el programa de televisión “The late show with Craig Kilborn”. Y en 2001 presentó su propio programa, “The Chris Isaak show”, que se transmitió hasta 2004.
Además, Chris ha participado en numerosas películas, aunque la mayoría con pequeños papeles. Sus participaciones más importantes fueron para el film “Little Buddha”, de Bernardo Bertolucci, y para “Twin peaks: fire walk with me”, de David Lynch.

Tantos son los covers y reversiones que están sonando por todo el mundo, que tal vez todos alguna vez nos preguntamos: ¿cuál será el tema que más versiones tiene?. Por mucho tiempo se dijo que “Yesterday“, de Los Beatles, se llevaba este premio. En 2007 así lo mencionó el Libro de los récord Guiness.
Aunque, hoy en día, lo que se dice (al menos así lo afirma Wikipedia), es que el tema con más versiones en todo el mundo es “My way”. Se trata de un tema escrito originalmente escrito por Claude François en 1967, e interpretado por él mismo. La versión original es en francés, y se llama “Comme d’habitude” (como siempre).
Este tema, rápidamente fue tomado por Paul Anka, quien escribió una letra completamente diferente y conservó la música, para darle la creación terminada a Frank Sinatra. Frank la interpretó en 1969 y la incluyó en su disco “My way”, convirtiéndose de esta manera en un ícono de Frank. A partir de allí, nadie pudo dejar de asociar esta canción con Frank Sinatra, como si fuera de él mismo.
Con respecto al argumento del tema, la versión original es un relato que hace un hombre de su vida cotidiana, en donde expresa la tristeza de aparentar todos los días estar bien, a pesar de no estarlo, y deja notar la separación que hay entre él y su pareja, quien duerme cuando él debe levantarse para ir a trabajar, y a quien no puede ver en su regreso, porque cuando ella vuelve, él ya está durmiendo. Aunque al final ambos terminan haciendo el amor, en esencia se trata de un tema triste y nostálgico.
La libre adaptación e Paul Anka, en cambio, conserva un espíritu triunfador, a pesar de tener un contexto un poco triste. Se trata de la historia de un hombre que cerca de su muerte, analiza la historia de su vida. Se describe como un hombre fuerte y con mucha voluntad y carácter, alguien que hizo todo lo que hizo en su vida “a su manera” (como el título de la canción en español), y a pesar de tener ciertos arrepentimientos y sufrir grandes tristezas, está feliz de haber vivido de esa manera.
Esta última versión, si bien conserva la esencia nostálgica de la versión original, concluye de un modo más feliz y esperanzador que la primera.

La canción “I started a joke”, fue creada en 1968, por el grupo ingles Bee Gees. Este grupo ha popularizado miles de temas, y muchas baladas a lo largo de más de 40 años de actividad musical ininterrumpida. Aunque por ahora me dedicaré a escribir sólo acerca de “I started a joke”. Se trata de una balada escrita por Robin Gibb, el mismo que la interpreta.
Con respecto a su significado, se han hecho dos interpretaciones: la primera se basa en la historia de una persona que cometió un error muy grave, que tuvo resultados en la integración grupal, y canta arrepentido por aquello que lo llevó al margen de la sociedad.
Otra interpretación un poco más rebuscada, se basa en la teoría de que la canción es cantada por el demonio. Los extractos en algunas partes de la letra pueden hacer referencia a esto último:

“Finalmente morí, lo que hizo que todo el mundo comenzara a vivir”.

Normalmente las baladas siempre narran en sus letras historias de amor o desamor, como en el caso de otro clásico de los Bee Gees, “How deep is your love?”. Pero en este caso, “I started a joke” es una de las pocas baladas que no habla de corazones rotos ni lunas de miel.
El tema de Bee Gees, fue posteriormente tomado para formar parte de la banda sonora del film “Penn and Teller get killed”, en 1989. Además, se registraron muchos covers del mismo. En 1998, Robbie Williams lo interpretó junto a The Orb. En 2001, The Wallflowers lo hizo para la banda sonora de Zoolander. También se registran versiones instrumentales varias hechas por Francis Goya. Y hasta existe una versión reggae del tema muy llamativa, interpretada por Skibby.

Pero sin dudas, la versión que más se difundió de todos los tiempos, es la que hizo el grupo Faith no more en 1995, para su quinto álbum de estudio, “King for a day, fool for a lifetime”. Se trata de otro acierto de los Faith no more, que demostraron ser especialistas, a la hora de interpretar covers de temas clásicos de todos los tiempos, especialmente baladas. Y es que son impecables a la hora de interpretar temas ajenos. Los renuevan, respetando su esencia a la perfección.

En esta ocasión quisiera volver al pasado para traer un tema al presente…. ¿pero qué estoy escribiendo? Ya me parezco a Marty Mc. Fly, y al “Doc” Emmett Brown, en la saga inolvidable de “Volver al futuro”. Y es que todo tiene que ver con todo, y este tema, creado en 1955, fue tomado treinta años más tarde para ser interpretado en la primera parte de esta trilogía cinematográfica.
Se trata de “Johnyy be good”, una canción escrita por Chuck Berry, considerada una de las primeras canciones de rock and roll puro. Tiene un ritmo muy pegajoso y potente, lo que la convierte en la séptima mejor canción de todos los tiempos, según el ranking de la Rolling Stones.
La canción narra la historia de un jóven analfabeto, hombre de campo, que tiene el sueño de convertirse en una estrella de rock, y por eso es que pasa sus días tocando rock and roll con su guitarra. En anteriores grabaciones a la que finalmente eligieron, Chuck Berry cantaba acerca de un chico de color, aunque luego decidieron cambiarlo por un chico de campo, creyendo que así venderían más.
El tema del que estamos hablando tiene más de 30 versiones registradas en la actualidad, algunas de ellas interpretadas por grandes artistas como Los Beatles, Elvis Presley, Elton John, B. B. King, o Jimi Hendix. Aunque tal vez la versión más reocrdada es la que se realizó para el film “Volver al futuro I”.
Allí, el jóven Marty Mc. Fly viaja accidentalmente al año 1955 (año en que se creó este tema). Se encuentra en el baile de graduación de sus padres, y comienza a tocar temas para que finalmente ellos se enamoren y puedan en un futuro procrear al propio Marty.
En un momento de la noche, Marty Mc. Fly comienza a tocar el tema “Johnny be good”, y es ahí cuando Marvin Berry, quien era el líder de la banda de colegiales, lo llama por teléfono a su primo Chuck, para hacerle escuchar el nuevo sonido que él había estado buscando, haciendo con esta escena una clara referencia a Chuck Berry.

Ya se sabe que el británico Phill Collins ha escrito miles de temas que son populares a nivel mundial. Por nombrar algunos de ellos: “In the air tonight”, “You can’t hurry love”, “Two hearts”, nos resultan familiares. También podemos identificarlo en temas de bandas sonoras, como las de “Tarzán”, o “Hermano oso”, ambas de Disney.
Aunque hay un tema que ha sido muy popular, que fue reversionado en varias oportunidades. Se llama “Against all odds”, que significa “contra viento y marea”. y fue utilizado para el film homónimo, en 1984. Aunque la película no fue tan recordada como este tema de Phil.
Se trata de una balada que revaloriza al amor por encima de todos los obstáculos que pueda haber en la pareja. Este tema, iba a llamarse en realidad “How can you just sit there?”, cuando habían pensado incluírla para el álbum solista de Phil, “Face Value”, en 1981. Luego los planes cambiaron, como el título de la canción, cuando surgió la opción de formar parte de la banda sonora del film “Against all odds”.
Se dice que el tema fue compuesto para su primera esposa, quien lo abandonó. Según el propio Phil, no podía creer haber logrado tanto éxito, ya que la grabación del hit fue hecha en dos días: una parte se hizo en Nueva York, y la otra en Los Angeles, y las mezclas las realizaron por teléfono. Aunque logró mucho más que el primer puesto: el tema fue premiado con un Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina, en 1985, y también recibió una nominación a los premios Oscar, por Mejor canción. Lo único lamentable de ese episodio, es que el propio autor, no fue invitado a cantar su tema en el escenario; mientras Phil observaba desde abajo, Ann Reinking lo cantó.
Esta no fue la única vez que alguien más interpetó su canción. Existen versiones memorables, como la que hizo Mariah Carey, para su álbum “Rainbow”. Allí la interpreta sola, y también junto al grupo Westlife, para incluírla en el segundo álbum del grupo irlandés. Existe además otra versión remix, hecha por los Pound Boys. Además, el proyecto musical The Postal service, hizo otra versión en 2004, que fue incluída para la banda sonora de la película “Wicker Park”. Este cover, fue reconocido por el New York Post, como uno de los mejores de todos los tiempos.
Se conocen al menos 9 versiones más de este tema, aunque con menos repercusión que las antes mencionadas. Evidentemente, Phil pudo hacer de su dolor por el abandono, un material sensible y memorable, que dejó una huella en millones de personas.

Cualquiera diría en una primera impresión que el tema “Cocaine” le pertenece a Eric Clapton, y seguramente habrá muchisimas personas que no conocen otra versión que no sea la de él. Aunque esto no es así.
El tema “Cocaine” fue compuesto por John W. Cale (o J. J. Cale: la gran incógnita de por qué se lo apoda con una doble jota, si sus verdaderas siglas son una J y una W, quedará para otro artículo). Este músico compositor estadounidense nació en el año 1938, y sirvió de mucha influencia a sus sucesores, como Eric Clapton, o Neil Young. Este compositor y guitarrista virtuoso siempre tuvo un perfil muy bajo, y un gran rechazo al estrellato, y a las giras largas. Fue más bien un artista de culto.
Tal vez sea por eso que dos de sus más grandes éxitos hayan sido popularizados por otro genio de la guitarra: Eric Clapton. Los temas “After midnight”, y “Cocaine”, son de J. J. Cale, y salieron a la luz de la mano de Eric. El último de ellos fue grabado por Clapton para su álbum “Slowhand” (apodo por el que se lo conoce a Eric) en 1977, es decir, justo un año después de haber sido compuesto por J.J. Cale.
Según las declaraciones del propio Clapton, se trata de una canción que está en contra de las dorgas, y no a favor, como mucha gente piensa. Pero él cree que escribir una canción que lleve a la reflexión da más resultados que escribirla intencionalmente para que las personas capten su significado, y es por esto que no hace muchas aclaraciones acerca de lo que significa. De todas maneras, luego de varios años de malas interpretaciones, Eric decidió añadir la frase “that dirty cocaine” (esa sucia cocaína) al tema, para ver si de una vez por todas dejaban de cuestionar sus intenciones.
Y es que tal vez resulte extraño pensar que alguien que consumió esta dorga por tanto tiempo, cante en contra de ella. Pero es lógico, si pensamos que varios problemas le trajo al entonces joven Eric Clapton. Además, él donó una buena parte de su capital al “Crossroads centre”, un centro de rehabilitación para dorgadictos. ¿Será una manera de reivindicarse?. Sea o no, esta canción quedará guardada para siempre como otro de aquellos clásicos realmente inolvidables.