En esta ocasión quisiera volver al pasado para traer un tema al presente…. ¿pero qué estoy escribiendo? Ya me parezco a Marty Mc. Fly, y al “Doc” Emmett Brown, en la saga inolvidable de “Volver al futuro”. Y es que todo tiene que ver con todo, y este tema, creado en 1955, fue tomado treinta años más tarde para ser interpretado en la primera parte de esta trilogía cinematográfica.
Se trata de “Johnyy be good”, una canción escrita por Chuck Berry, considerada una de las primeras canciones de rock and roll puro. Tiene un ritmo muy pegajoso y potente, lo que la convierte en la séptima mejor canción de todos los tiempos, según el ranking de la Rolling Stones.
La canción narra la historia de un jóven analfabeto, hombre de campo, que tiene el sueño de convertirse en una estrella de rock, y por eso es que pasa sus días tocando rock and roll con su guitarra. En anteriores grabaciones a la que finalmente eligieron, Chuck Berry cantaba acerca de un chico de color, aunque luego decidieron cambiarlo por un chico de campo, creyendo que así venderían más.
El tema del que estamos hablando tiene más de 30 versiones registradas en la actualidad, algunas de ellas interpretadas por grandes artistas como Los Beatles, Elvis Presley, Elton John, B. B. King, o Jimi Hendix. Aunque tal vez la versión más reocrdada es la que se realizó para el film “Volver al futuro I”.
Allí, el jóven Marty Mc. Fly viaja accidentalmente al año 1955 (año en que se creó este tema). Se encuentra en el baile de graduación de sus padres, y comienza a tocar temas para que finalmente ellos se enamoren y puedan en un futuro procrear al propio Marty.
En un momento de la noche, Marty Mc. Fly comienza a tocar el tema “Johnny be good”, y es ahí cuando Marvin Berry, quien era el líder de la banda de colegiales, lo llama por teléfono a su primo Chuck, para hacerle escuchar el nuevo sonido que él había estado buscando, haciendo con esta escena una clara referencia a Chuck Berry.

El músico legendario francés ha fallecido a la edad de 84 años.

Maurice Jarre era toda una leyenda viva entre los compositores de bandas sonoras cinematográficas, autor de grandes éxitos en la Historia de la música del Cine, entre otros, del Tema de Lara de la película Doctor Zhivago.

El lunes 30 de marzo un portavoz de la familia Jarre anunciaba a los medios la muerte del músico, en su domicilio familiar en California.

Jarre escribió decenas de partituras para grandes éxitos de Hollywood, por encargo de algunos de los más famosos directores de cine.

Maurice Jarre nació en 1924 en Lyon, Francia, y estudió música en el Conservatorio de París antes de iniciar su carrera componiendo partituras para producciones teatrales. Vivía en Estados Unidos desde hace décadas.

Ya se sabe que el británico Phill Collins ha escrito miles de temas que son populares a nivel mundial. Por nombrar algunos de ellos: “In the air tonight”, “You can’t hurry love”, “Two hearts”, nos resultan familiares. También podemos identificarlo en temas de bandas sonoras, como las de “Tarzán”, o “Hermano oso”, ambas de Disney.
Aunque hay un tema que ha sido muy popular, que fue reversionado en varias oportunidades. Se llama “Against all odds”, que significa “contra viento y marea”. y fue utilizado para el film homónimo, en 1984. Aunque la película no fue tan recordada como este tema de Phil.
Se trata de una balada que revaloriza al amor por encima de todos los obstáculos que pueda haber en la pareja. Este tema, iba a llamarse en realidad “How can you just sit there?”, cuando habían pensado incluírla para el álbum solista de Phil, “Face Value”, en 1981. Luego los planes cambiaron, como el título de la canción, cuando surgió la opción de formar parte de la banda sonora del film “Against all odds”.
Se dice que el tema fue compuesto para su primera esposa, quien lo abandonó. Según el propio Phil, no podía creer haber logrado tanto éxito, ya que la grabación del hit fue hecha en dos días: una parte se hizo en Nueva York, y la otra en Los Angeles, y las mezclas las realizaron por teléfono. Aunque logró mucho más que el primer puesto: el tema fue premiado con un Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina, en 1985, y también recibió una nominación a los premios Oscar, por Mejor canción. Lo único lamentable de ese episodio, es que el propio autor, no fue invitado a cantar su tema en el escenario; mientras Phil observaba desde abajo, Ann Reinking lo cantó.
Esta no fue la única vez que alguien más interpetó su canción. Existen versiones memorables, como la que hizo Mariah Carey, para su álbum “Rainbow”. Allí la interpreta sola, y también junto al grupo Westlife, para incluírla en el segundo álbum del grupo irlandés. Existe además otra versión remix, hecha por los Pound Boys. Además, el proyecto musical The Postal service, hizo otra versión en 2004, que fue incluída para la banda sonora de la película “Wicker Park”. Este cover, fue reconocido por el New York Post, como uno de los mejores de todos los tiempos.
Se conocen al menos 9 versiones más de este tema, aunque con menos repercusión que las antes mencionadas. Evidentemente, Phil pudo hacer de su dolor por el abandono, un material sensible y memorable, que dejó una huella en millones de personas.

Hace pocos días supimos de la noticia conmemorativa y no podíamos dejarlo pasar. Han pasado ya poco menos de 40 años y muchos siguen manteniendo aún la legítima razón de que Yoko Ono fuese responsable de la separación del grupo más revolucionario de todos los tiempos, The Beatles.

Ocurría un 20 de marzo de 1969 cuando John Lennon y Yoko Ono contrajeron feliz matrimonio que puso fin al ritmo musical más frenético de la época y probablemente de todo el siglo XX. Para otros (unos pocos) en cambio, ella fue toda una musa creativa para su amado John Lennon. Fue todo un hito histórico que hasta hoy ha trascendido a los medios. Te contamos todos los detalles…

La historia de la japonesa Ono y Lennon no tardó en ser un icono del siglo y de ello existen numerosas razones que lo atestiguan: apariciones públicas, frases célebres, fotografías, portadas, activismo político, antibelicismo y mucha controversia.

Aunque Yoko Ono, una gran desconocida hasta la época, fue la detonante para la posible disolución entre el grupo británico, John Lennon compartió momentos muy felices junto a su amada durante más de una década. Años después moriría asesinado John Lennon por un fanático (8-Diciembre-1980) dando fin a su historia de amor idílica y un tanto hippie “hasta que la muerte los separó”.

Después de haberse casado en Gibraltar celebraron su luna de miel a puertas cerradas en la habitación de un hotel de Amsterdam donde reclamaban la paz sobre el mundo. La ceremonia tuvo lugar en la suite 128 del exclusivo Hotel Mampei. Junto a ella, el artista continúo en la música grabando tres nuevos discos tras la separación del grupo: Two virgins, Life with the lions y Wedding Album, los dos últimos grabados en 1969. En su nueva música demostraba a un Lennon reformado, con un sonido experimental y casi irreconocible por sus fans.

Hoy Yoko Ono, con 76 años de edad, es una de las viudas que aún conserva la historía que cambió el mundo de la música y siente el peso de la culpa que muchos fans han arrojado sobre ella.

Cualquiera diría en una primera impresión que el tema “Cocaine” le pertenece a Eric Clapton, y seguramente habrá muchisimas personas que no conocen otra versión que no sea la de él. Aunque esto no es así.
El tema “Cocaine” fue compuesto por John W. Cale (o J. J. Cale: la gran incógnita de por qué se lo apoda con una doble jota, si sus verdaderas siglas son una J y una W, quedará para otro artículo). Este músico compositor estadounidense nació en el año 1938, y sirvió de mucha influencia a sus sucesores, como Eric Clapton, o Neil Young. Este compositor y guitarrista virtuoso siempre tuvo un perfil muy bajo, y un gran rechazo al estrellato, y a las giras largas. Fue más bien un artista de culto.
Tal vez sea por eso que dos de sus más grandes éxitos hayan sido popularizados por otro genio de la guitarra: Eric Clapton. Los temas “After midnight”, y “Cocaine”, son de J. J. Cale, y salieron a la luz de la mano de Eric. El último de ellos fue grabado por Clapton para su álbum “Slowhand” (apodo por el que se lo conoce a Eric) en 1977, es decir, justo un año después de haber sido compuesto por J.J. Cale.
Según las declaraciones del propio Clapton, se trata de una canción que está en contra de las dorgas, y no a favor, como mucha gente piensa. Pero él cree que escribir una canción que lleve a la reflexión da más resultados que escribirla intencionalmente para que las personas capten su significado, y es por esto que no hace muchas aclaraciones acerca de lo que significa. De todas maneras, luego de varios años de malas interpretaciones, Eric decidió añadir la frase “that dirty cocaine” (esa sucia cocaína) al tema, para ver si de una vez por todas dejaban de cuestionar sus intenciones.
Y es que tal vez resulte extraño pensar que alguien que consumió esta dorga por tanto tiempo, cante en contra de ella. Pero es lógico, si pensamos que varios problemas le trajo al entonces joven Eric Clapton. Además, él donó una buena parte de su capital al “Crossroads centre”, un centro de rehabilitación para dorgadictos. ¿Será una manera de reivindicarse?. Sea o no, esta canción quedará guardada para siempre como otro de aquellos clásicos realmente inolvidables.

Si hablamos de clásicos, no podemos dejar afuera a los Beatles, fabricantes de hits por excelencia. En su medianamente corta carrera, dejaron en la memoria colectiva muchos más grandes éxitos que muchas bandas con más años de antiguedad.
Uno de ellos fue “I’m the walrus” (en español, “Soy la morsa”), escrita en 1967 por John Lennon, aunque fue en realidad editada a nombre de Lennon y Mc. Cartney. Formó parte del disco “Magical mistery tour”, de ese mismo año. Según el propio Lennon, es dentro del disco una de sus canciones favoritas, porque “tiene tantos detalles que incluso dentro de cien años podrían seguir interesandote”.
La letra, bastante alocada, resulta ser un potpurrí de momentos en los que a Lennon se le ocurrieron algunos fragmentos musicales. Todos ellos iban a formar parte de diferentes canciones, aunque él logro unirlos a pesar de que no tienían relación alguna. A esos fragmentos se le juntó otra anécdota: la carta que le llegó de un alumno de su ex escuela, que le contaba cómo su profesor de Lengua les hacía interpretar letras de los Beatles.
A Lennon le llamó la atención esta situación, y allí mismo se propuso escribir la canción más indescifrable que haya sido escrita.
Muchos años después, en el año 1998, el productor de los Beatles, George Martin, se decidió a hacer un disco homenaje al cuarteto, en donde reunió a diferentes celebridades, entre actores, músicos y cantantes. Este disco se llamó “In my life”, y, entre otras canciones, cuenta con una versión muy interesante de “I’m the walrus”, cantada por Jim Carrey. La canción le cae como anillo al dedo, por su forma alocada de interpretarla, de naturaleza freak, surrealista y sin sentido. Y la voz de Jim, realmente un lujo. Sorprendería a cualquiera que no supiera de sus habilidades vocales.
Podemos encontrar por la red, un video del momento en que Jim Carrey grabó este tema, acompañado por las monerías que lo caracterizan. Aunque no se tenga muy presente, Jim Carrey también ha interpretado otras canciones, como la del film “The mask“, o el film “Cable guy”, en donde interpretó otro tema clásico: “Somebody to love”, de Jefferson airplane.

“Got my mind set on you”, es una canción escrita por Rudy Clark, y grabada originalmente por James Ray, en el año 1962 (dos años antes de su muerte). Este primer intérprete de orígen afro americano, cantaba canciones de R & B en los años 60, y fue descubierto cuando vivía una vida de indigente en una azotea de algún edificio de Washington. Se lo apodaba “5- foot” (cinco pies), debido a su corta estatura: James medía tan sólo 1.5 mt. Rudy Clark lo descubrió y lo presentó ante Caprice Records, con quienes comenzó a grabar discos. Su mayor éxito fue “If you gotta make a fool of somebody”, un tema lanzado en el mismo año que “Got my mind set on you”.

La versión de James Ray de “Got my mind set on you”

James Ray no vivió lo suficiente para seguir cosechando hits. Falleció en 1964 de una sobredosis, con tan sólo 23 años de edad.
Sin dudas, la versión más conocida de “I got my mind set on you”, llegó de la mano del ex Beatle, George Harrison, en el año 1988, para su álbum “Cloud Nine”. Al parecer George Harrison pudo hacer algo más con este tema que James Ray no había conseguido, ya que, curiosamente, en el año 1962, otro era el hit que hizo brillar a James.
Dos fueron los videos musicales que se hicieron para la versión de George Harrison. El más difundido es aquel que muestra la conquista de un chico hacia una chica, en una sala de juegos. Durante todo el tema, él trata de sacar una muñeca bailarina de una de esas máquinas con pinzas en las que hay que agarrar objetos. Ella lo seduce con la mirada todo el tiempo.
Al agarrar a la bailarina, la misma aparece en el set junto con George y sus músicos, quienes simulan estar todos dentro de la máquina de juegos que está usando el chico. Cuando finalmente la bailarina, que había quedado trabada dentro de la máquina sale, el muchacho se la regala a la chica, conquistandola.
La versión de este video musical de George Harrison, bastante sugestivo para la época, fue parodiada por el comediante, compositor y cantante Alfred Matthew “Weired Al” Yankovic, quien se dedica a armar números humorísticos satirizando diferentes canciones.

“Sorry seems to be the hardest word” fue escrito por Elton John y Bernie Taupin, y grabado en 1976, como parte del album “Blue Moves”. Es una balada que habla acerca de un amor no correspondido. Se trata de una de las excepciones en las que Elton creó la mayor parte de la letra y la melodía, como la que se escucha al inicio de la canción. En este tema Taupin sólo se encargó de finalizar la letra y música.
En las versiones en video de este tema, hay una en la que se muestra la historia del amor no correspondido de un muchacho que quiere vengarse de la mujer que desea, quien lo rechaza. Sobre el final del video, el chico y la mejor amiga de ella son una pareja, por lo que la amistad de ellas se ve afectada, porque el chico se encarga de decirle a la chica con la que sale, un monton de cosas malas acerca de aquella que le gusta verdaderamente. También existe otra versión en video, más difundida, en donde está Elton John solo con un piano.

Esta canción fue reversionada en varias ocasiones: hay un cover de Joe Cooker, que forma parte de sus grandes éxitos. El grupo Blue también hizo una versión muy comercialmente difundida en el 2002, y hasta el propio Ray Charles la grabó junto a Elton en el año 2004, antes de su muerte.
Uno de los mitos populares acerca de este tema, es que Elton John lo compuso para pedirle disculpas a su ultima novia. Al parecer, la muchacha, al entrar a su departamento lo encontró en la cama junto a un hombre. Nunca se comprobó que fuera cierto, por más que la letra pueda asemejarse a esta historia. Tal vez haya sido una reacción pública de la época, si tenemos en cuenta que este tema salió a la luz casi al mismo tiempo que las declaraciones de Elton John acerca de su homosexualidad.
Más allá de cualquier anécdota, la belleza y dulzura de este tema lo convierte en un clásico de todos los tiempos, que seguramente seguirá siendo reversionado una y otra vez, para aquellos corazones rotos en busca de comprensión.

El inicio de Mr. Big, se remonta al año 1989, con Billy Sheehan en el bajo eléctrico, Paul Gilbert en la guitarra eléctrica, Pat Torpey en batería y Eric Martin como vocalista. Los éxitos obtenidos sobretodo a principios de los años 90, han quedado guardados en la memoria colectiva, en todo el mundo. El más destacable es “To be with you”, un clásico melódico, con mucha cadencia y coros a cuatro voces. Este tema pertenece a su segundo disco de estudio, “Lean into it”, y es un ícono de la moda de aquella época, no sólo musicalmente, sino también en cuanto a imágen. En su video podemos ver a todos los integrantes de la banda con largas cabelleras frondosas y cortes de cabello “porlijamente descuidados”, como los que se solían usar en ese entonces.

Su siguiente hit lo consiguieron en 1993, con su tercer disco “Bump ahead”, y esta vez no se trató de un tema propio, sino de un cover de Cat Stevens, “Wild world”, con el que también consiguieron estar bien posicionados en los rankings. Si bien, después de esos grandes éxitos siguieron trabajando juntos en tres discos posteriores, no lograron tanto éxito como con los dos primeros. O al menos, eso puede decirse desde este costado del mundo, porque en Oriente tuvieron mucho éxito, especialmente en Japón.
En el año 1996 la banda sufrió modificaciones. Uno de sus guitarristas, Paul Gilbert, abandonó al grupo para dedicarse a su carrera solista y a su otro proyecto, Racer X. Llegó para cubrir su lugar el ex guitarrista de Poison, Richie Kotzen.
En 2001, con su último disco “Acutal Size”, Mr. Big consiguió acercarse aún más a la cultura nipona al destacarse el single “Shine“, el cual fue utilizado como tema de cierre del animé “Hellsing”.

Un año después, luego de 12 años de estar juntos, deciden separarse definitivamente, dejando atrás una historia de millones de discos vendidos en todo el mundo.
Por su parte, algunos de sus integrantes siguieron su carrera musical por separado. Billy Sheehan, el bajista de Mr. Big, fue elegido en cinco oportunidades como el mejor bajista de rock por los lectores de la revista “Guitar Player”.
Eric Martin, el cantante, también continuó su carrera solista, que había comenzado varios años atrás, aún antes de la existencia de Mr. Big, ya que en 1987 sacó su primer disco solista. El también tuvo mucho éxito en Japón.

Algunos rumores anuncian que en este año, Mr. Big se juntará con su formación original, para hacer una gira por Japón. ¿Será la oportunidad para un nuevo regreso?

No, no es que se tildó el teclado y ahora sólo puedo escribir la letra M. Es que hay un tema llamado así, que se convirtió en un clásico, y que ha escuchado todo el mundo. Lamentablemente, no se puede decir lo mismo de la banda que los creo. Así que leamos un poco acerca de ellos.

Los creadores de este hit son los Crash test Dummies (si, se llaman como aquellos muñecos a escala humana que de usan como prueba para testear la seguridad de los automóviles). Son canadienses, y se unieron en el año 1989 para hacer canciones de rock alternativo y folk. Publicaron su primer álbum en el año 1991, llamado “The ghosts that haunt me”. A este disco le siguió “God shuffled his feet”, disco que incluye “Mmm mmm mmm mmm”, tema que fue un éxito en varios rankins de países en todo el mundo. Este mismo disco tuvo tres candidaturas a los premios Grammy, y vendió cinco millones y medio de copias en todo el mundo.Vale destacar que su hit principal, se convirtió en un tema único. Aquel murmuro no puede ser imitado por cualquier cantante. Lo que pasa en realidad, es que el cantante de Crash test Dummies, Brad Roberts, posee una voz de barítono bajo, que no es muy usual, y lo convierte en la identidad de la banda. De hecho, no hay covers conocidos de este mismo tema. Sin dudas se trata de un tema que difícilmente pueda cantar alguien, además de Brad.
A pesar de su gran éxito más memorable, la banda no brilló mucho por otros temas, aunque sí posee algunos más o menos conocidos, como “Afternoons and cofeespoons”, perteneciente a “God shuffled his feet“.
Durante los años noventa también compusieron algunos temas de película. Uno de ellos fue “In the days of the caveman”, para la película de Los Picapiedra, en 1994, y la otra, “The ballad of Peter Pumpkinhead”, para el film “Tonto y retonto”.
Los Crash test Dummies han publicado en total nueve discos, el último llamado “Toys”, salió al mercado en este mismo año. Todos los  miembros de la banda han conservado un perfil bajo, y cada uno mantuvo proyectos por separado, además de integrar su banda.