Con solo 13 años, la británica Faryl Smith ha revolucionado el mundo de la música. Su voz de mezzosoprano le valió para ganar el reality ‘Britain’s got talent‘ el año pasado y en este momento ha firmado un contrato de 3,1 millones de dólares con la casa discográfica Universal. Su primer disco ya está en los estantes de las tiendas y ‘The Times‘ ha publicado que el Álbum de Faryl Smith será el disco de música clásica más vendido desde Luciano Pavarotti.

Este mes salió el primer disco de Smith. Fue el más solicitado en la lista de preventas de Amazon en el Reino Unido, y en el mercado están disponibles 80.000 copias, muchas más que No Line on the Horizon, el trabajo más reciente de los irlandeses U2 -quienes perteneces a la misma discográfica-.

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El músico Ray Charles nació un 23 de Septiembre, del año 1930. A pesar de haber quedado ciego desde su más tierna infancia (a los 4 o 5 años perdió la vista debido a un glaucoma), eso no le impidió convertirse en un genio del piano. Nació en Albany, Georgia, y fue criado por su madre, junto a su pequeño hermano, quien falleció poco antes de que Ray perdiera la vista.
Durante su niñez fue que aprendió a tocar el piano, cuando aún conservaba la vista, y luego siguió desarrollándo esa habilidad a ciegas. Además, Ray recibió clases de música en braille, en un centro para invidentes. Todo esto, fue lo que le permitió ganarse la vida como músico desde jóven, ya que sus padres fallecieron cuando él era joven, y no le quedó más que arreglárselas solo.
Al comienzo, Ray Charles se dedicaba a tocar y cantar los temas de moda de aquella época, siendo muy flexible y adaptándose a todos los estilos: podía sonar como quien quiesiera sonar. En el año 1951, es cuando una discográfica se interesa por él. y comienza la búsqueda de Ray por sonar de un modo auténtico. Su primer hit fue “Baby, let me hold your hand”. Su estilo musical surgió cuando decidió ponerle letras a la música gospel, aunque fue duramente criticado por los conservadores de la época por hacer esto. A pesar de todo, la música de Ray sonaba tan fresca y con ritmo, que a muy poca gente le interesaba en verdad.

Su canción más popular surgió en el año 1959, llamada “What I’d say“, conservada hasta el día con una versión en vivo, que se puede encontrar en l disco en vivo “Ray Charles en persona”.
Durante su primer etapa, unido a Atlantic records, pudo experimentar con su música, aunque su mayor expansión la consiguió al cambiarse a ABC records, en donde tenía un control absoluto sobre sus temas. Durante esta época surgió otro de sus éxitos más conocidos a nivel mundial: “Unchain my heart”. Lo siguieron “Hit the road, Jack”, “I can’t stop loving you”, y “You don’t know me”.
Uno de los episodios en su vida que lo hizo muy popular y querido entre sus seguidores, fue aquella ocasión, en un concierto en su tierra natal, Georgia, en donde canceló un concierto programado, porque las ubicaciones estaban segregadas, es decir, que las personas de piel blanca no se sentaban en las mismas ubicaciones que las personas de piel negra. Esto es algo que sucedía en varios estados de los Estados Unidos, aunque pocos artistas objetaron en contra de esta modalidad, y el hecho de que Ray Charles fuera negro, y se sumara a la protesta, era un voto y una representación muy importante para la gente negra, quienes podían sentirse acompañados, y hacerse escuchar.

El saludo hacia su público más característico.

La vida de Ray Charles, puede verse resumida en un film muy interesante, llamado “Ray”, estrenado en el mismo año del fallecimiento de este magnífico artista, en 2004.

El artista elegido para hoy surgió de los inicios del punk. Se llama en realidad William Broad, nació en Stanmore, Inglaterra, y vivió algunos años en la ciudad de Nueva York, antes de mudarse a Long Island, en Inglaterra.
A pesar de su apariencia abandónica y rebelde, logró ir un año a la universidad antes de dejar. Pero su destino no estaba allí adentro. Como sapo de otro pozo, saltó a otros horizontes. El “Bromley Contingent”, o contingente Bromley, lo encontró a su paso, y con ellos se quedó, junto a quienes eran,  todos, el semillero punk de un grupo de fans de los Sex Pistols.
Inspirado en esa misma banda, William armó su primer grupo musical en el año 1976, llamado “Chelsea”. No estuvo mucho tiempo con ellos, pero algo le quedó: su nombre artístico pasó a ser para siempre el que todos conocemos: Billy Idol.
El joven Billy en 1976, con 21 años, y atraído por la idea de ser músico, formó su banda “Generation X“, en donde permaneció hasta el año 1981. En ese momento Billy decidió lanzarse como solista. Para eso viajó de vuelta a Nueva York, y grabó su primer disco llamado “Don´t stop”.  Eso sí, se llevó consigo al compositor y bajista de Chelsea, Tony James. Fue en este período en el que logró su primer éxito, “Dancin’ with myself” (bailando conmigo mismo). Cabe destacar que, en realidad, este tema ya había sido grabado con Generation X, aunque no se hizo exitoso hasta ese momento.

Su segundo disco impactó aún con más fuerza. Se llamó “Rebel Yell”, al igual que el single homónimo que ya es un clásico, y en donde se lo puede ver al blondo Billy, con su aspecto de chico malo, agarrándose la cabeza, con unas manoplas de cuero en las manos llenas de tachas, y haciendo su mueca más característica: el labio superior se frunce en su lado izquierdo hacia arriba, como si halguien se lo hubiera enganchado con un anzuelo, y tirara hacia arriba cada vez que este muchacho quiere verse peligroso.
Luego de esto, su carrera siguió llena de éxitos que todos conocemos, tales como “Hot in the city”, “Eyes without a face”, o “White wedding”, y algunos percances, como aquel accidente en motocicleta en 1990, en donde se salvó por muy poco de la muerte.

Tal vez el tema sobre el que escriba hoy sea uno de esos que resuenan en la mente de todos, especialmente los nacidos en la década de los ’70 y ’80, por haberse convertido sin dudas en un clásico eterno. Uno de esos temas que fue reversionado incontables veces, y que se podría decir que es un ícono de las baladas. El tema es Easy, originalmente “parido”, por el grupo The Commodores, liderado por Lionel Ritchie, quien lo compuso en el año 1977, de la mano del quinto disco de este grupo, con su título homónimo, “Commodores”.
Lo cierto es que, de todas las versiones que tuvo desde que salió al mercado por primera vez hasta hoy, la más impecable y similar es la que se hizo en el año 1993, por el grupo “Faith no more”.

Inmediatemente quedaron asociados a este tema, y lograron que, luego de más de 20 años, siguiera sonando con tanta vigencia como si hubiera sido creado ese mismo año 1993.
¿Cómo llegó este tema a ser elegido para ser incluído en uno de los discos de Faith no more?, Bueno, los muchachos lo tocaron por primera vez en la gira que hicieron para promocionar “Angel Dust”, el cuarto disco de “Faith…”, realizado en 1992. Al parecer, tuvo mayor aceptación de la esperada, así que se lo quedaron y lo lanzaron como bonus track en “Angel Dust”. También lo incluyeron en un EP llamado “Songs to make love to”, en 1993, donde, al parecer, aparece con pequeñas modificaciones con respecto a la versión de su cuarto disco, y es ésta la versión que se popularizó definitivamente y la que suena en todas las radios del mundo.
Con respecto a “Faith no more”, no se trata de la primera vez que reversionan temas de un modo impecable, logrando reposicionarlos en los top ten mundiales. Lo mismo ocurrió, por ejemplo, con otro clásico, esta vez de los Bee Gees. “I started a joke”, también fue interpretado por “Faith no more”, en su quinto disco de estudio, llamado “King for a Day… fool for a lifetime”, en el año 1995, tres años antes de la disolución de la banda.

Más de 28.000 personas han acudido a los conciertos del VIII Festival ‘Musika-Música’ de Bilbao, a falta de contabilizar las ventas de esta tarde, con lo que ha logrado agotar todas las localidades en unas 40 actuaciones. El certamen dedicará su próxima edición a ‘Chopin y los románticos’.

El certamen -que dio inicio el pasado día 5 e incluye 67 conciertos- agotó todas las entradas disponibles de más de la mitad de las actuaciones ofrecidas en el Palacio Euskalduna durante las cuatro jornadas dedicadas a Bach. Se llenaron las cuatro salas destinadas a pequeñas formaciones y músicos solistas, sin embargo además el auditorio ha conseguido llenar 1.300 localidades mientras en ediciones anteriores la cifra rondaba las 1.000.

En esta edición, se ha repetido la “importante” presencia de público procedente de Cataluña y Francia, país del que procede cerca del 20 por ciento del público asistente.

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Siguiendo con la temática de los artistas que se destacan por la explotación de su imágen que supieron hacer, no se puede dejar de lado al magnífico Boy George. Artista andrógino si los hay, este geminiano nacido un 14 de Junio de 1961 se desarrolló como cantante, músico y DJ. Su verdadero nombre es George Alan O’Dowd, y alcanzó su cúspide de fama, junto al grupo Culture Club, con quienes inmortalizó hits como “Do you really want to hurt me?”, el que fue su primer éxito, editado en 1982, y se convirtió inmediatamente en un hit mundial, llegando al número uno en varios países.

Lo siguieron hits del segundo álbum, como “Karma Camaleon”, tema con el cual Boy George fue “canonizado” para siempre como un ícono de la cultura gay de los años ’80, como un modelo a seguir, y aún más que eso, como un puente que impulsó a muchos homosexuales a asumir frente al mundo su condición, muchas veces ambigua, como la del propio Boy George, que no deja de reconocerse como un hombre, a pesar de adoptar públicamente una imágen de mujer.
La disolución de su grupo “Culture Club”, llegó de la mando de un escándalo por consumo de cocaína. A partir de este hecho, Boy George comenzó su carrera como solista.  Aunque no fue sólo como cantante que incursionó en el mundo de la música. También se dedicó a viajar por el mundo como DJ, y aún más, se animó a incursionar en el arte culinario, si hasta escribió un libro de cocina macrobiótica (auqella que se basa en el consumo de alimentos naturales y orgánicos, relacionados con el ying y el yang). También ha escrito su autobiografía en dos partes, y aún le sobró tiempo para fundar su propio sello discográfico “More protain”, para escribir un musical, y para diseñar ropa “B- Rude”. A pesar de que en estos últimos años eligió un perfil más bien bajo, se lo asoció últimamente a un escándalo que lo tuvo como protagonista, al ser declarado culpable de esposar en su casa a un prostituto noruego de 29 años, alegando que éste revisó su ordenador personal. Boy George fue condenado en Enero de este año a 15 meses de prisión.

Paul McCartney y Ringo Starr, quienes no se reunían desde 2001, vuelven a encontrarse por una causa benéfica a favor de la fundación de David Lynch para la concienciación de la paz en el mundo. El concierto también tiene como protagonistas a otros artistas de renombre como Sherly Crow, Donovan, Pearl Jam, Paul Horn, Eddie Vedder, Bettie Lavette, Jim James o Ben Harper. Está previsto que el concierto se celebre en el Radio City Music Hall en Nueva York durante el mes de Abril.

El 4 de Abril la función se iniciará con un dueto especial entre Paul McCartney y Ringo Starr. McCartney fue anunciada como la estrella de la función en Enero y, posteriormente, Starr fue añadido a la factura. La presencia de ambos ex-miembros del mítico grupo de The Beatles era decisiva para un motivo como este. George Harrison estuvo ligado a estas prácticas en 1968 durante el estudio de la cultura India.

La fundación de David Lynch apoya la meditación trascendental originaria de India en las escuelas. De acuerdo con el sitio oficial, la práctica permite tranquilizar la mente dedicando 15-20 minutos al día sentándose en una silla cómodamente con los ojos cerrados. Este nivel de relajación permite conectar con la fuente de la idea, el conocimiento puro, la fuente de la creatividad ilitmidada y la inteligencia, según expresó la fundación.

El pasado Abril, la fundación de Lynch tuvo un concierto benéfico similar pero mucho más pequeño, celebrado en Iowa (la ubicación de la Universidad Maharishi, la única escuela basada en los principios de la meditación trascendental).

David Robert Jones, conocido artísticamente como David Bowie, ha sido conocido mundialmente desde su primer gran éxito, lanzado en el año 1969, con este hit llamado “Space Oddity”.

En él narra la historia de un astronauta perdido en el espacio, el “Major Tom”, y está hecha en honor al film “2001, Odisea del espacio”.
Su gran carrera artística lo convierte en un artista con una notable trayectoria, que ha compartido escenarios con innombrable cantidad de personalidades, y se ha aggiornado a todas las épocas, de un modo camaleónico. Además, demostró no tener limitaciones al experimentar con la música, ya que comenzó su carrera siendo saxofonista en varios grupos de rhythm and blues, aunque también demostró ser un versátil cantante, y se animó a incursionar en más de un género musical.
Al igual que Annie Lennox, o Prince, también David Bowie explotó una imágen andrógina en los años ’80. Y no sólo apareció en videos de música, sino también se animó a interpretar papeles en el cine en varias oportunidades, entre 1973 y 2006. Tal vez, una de las más memorables es su participación protagónica en el film “Laberinto”, en donde también interpretó temas de la banda sonora. En ese film se lo puede ver con una imágen poco cotidiana (como casi todas las formas estéticas que adoptó a lo largo de su carrera).
Pero si algo es destacable acerca de su imágen, es esa marca distintiva y única: David Bowie parece a simple vista tener los ojos de diferentes colores. La consecuencia de esto, se remonta a un hecho ocurrido en su adolescencia, que lo marcó por el resto de su vida, ya que puso en riesgo la vida del Joven David. Durante una riña estudiantil, uno de sus compañeros, George Underwood, lastimó su ojo izquierdo de un puñetazo. Esto le produjo una parálisis en los músculos de la pupila, y le trajo como consecuencia la pérdida de ocho meses de clase, además de perder un poco la percepción de la profundidad.

Pero lo más llamativo de ese hecho, es que su pupila, a partir de ese entonces, quedó permanentemente dilatada. Es decir, que visto de lejos, pareciera que David Bowie tuviera un ojo azul, y el otro marrón, o negro. A pesar de todo, éste distintivo se convertiría en una seña de identidad, más personal que ninguna.

Así comienza el tema:

“Step by step, heart to heart, left right left,
we all fall down like toy soldiers…”

Leyendo este fragmento es más que probable que venga a nuestras mentes el tema interpretado por Eminem, “Like Toy Soldiers”, el cual podemos encontrar en su disco “Encore”, lanzado al mercado en el año 2004.

Pero en realidad, la versión de Eminem, es sólo una remake, en la que toma el fragmento del estribillo y cambia el resto del contenido. El tema original se llama “Toy soldiers”, y es de Martika, la mujer que lo canta en este video (versión en español).

También se puede hacer click en este enlace para ver la versión original, de la que no es posible enlazar el video, y que muestra el video que salía en MTV, y en el cual podemos notar el deterioro de la cinta. Es lo más lógico, ya que han pasado muchos años desde que sonó este magnífico tema por primera vez. Este año se cumplen 20 años desde que Martika lanzó su primer disco solista en el que se destaca este single, que ha perdurado en el tiempo, y es al día de hoy uno de esos clásicos temas que son mucho más conocidos que sus intérpretes originales.

La intérprete de este pagajoso hit, se llama en realidad Marta Marrero. Nació en Los Angeles, y es hija de padres cubanos que, como tantos otros inmigrantes, llegaron a los Estados Unidos en busca de otra vida. Martika conoció la fama desde antes de cantar “Toy soldiers”. A los 14 años protagonizó a Gloria, un personaje de uno de los shows televisivos más populares de los ’80, llamado “Kids Incorporated”.

Luego de esto, en 1989 finalmente lanza su disco homónimo: Martika, el que fue la puerta al estrellato por 15 minutos. La vida de Martika, siguió su rumbo con algunas participaciones especiales, como la de Viña del Mar en 1991, y un segundo disco, “Martika’s kitchen”, en el que contó con la colaboración de Prince. Salvo algunas contadas apariciones, conservó un perfil bajo, sin mucho estrellato, y cuando se creía que su carrera musical había sido abandonada por completo, en el año 1997 lanzó un álbum compilatorio de sus mejores temas, el cual llegó a vender cerca de 500.000 copias a nivel internacional.

Vale la pena destacar la vida de este astro del blues… o mejor dicho, de la música. Este virtuoso de la guitarra, nació en Inglaterra en el año 1945.

Su infancia no fue fácil como la de cualquier niño. El pequeño Eric fue criado por sus abuelos maternos Rose y Jack, de quienes creía que eran sus padres. Es uno de esos casos que se da cuando la madre es muy joven, y éste fue el caso de Eric, ya que al nacer, su verdadera madre, tenía 16 años.

Con tan sólo 9 años de edad, Eric descubrió la verdad acerca de sus verdaderos padres, y como consecuencia, se distanció de su familia, y comenzó a rebelarse en el colegio. A pesar de esto, la crianza con sus abuelos- padres, le dejó marcada su veta musical que iría desarrollando a lo largo de su vida. Su abuela tocaba el piano, y al parecer, según lo que contó su verdadera madre a un biógrafo oficial, el padre de Eric era un músico de mucho talento que tocaba en la zona de Surrey.

Su primer encuentro con la guitarra fue a los 13 años, y a pesar de que le costó en un principio, con constancia la domó, y jamás la abandonó. Lo que sí abandonó fue la escuela a los 16 años, y se unió al Kingston College of Art, aunque sin mucha suerte, ya que fue expulsado por no progresar en las demás ramas del arte que no fueran la de música.

Este joven, pasó así su juventud trabjando como obrero junto con su abuelo, hasta que a los 17 años se unió a su primer banda “The Roosters“, con quienes permaneció de Enero a Agosto de 1963. Luego de eso, tocó en siete conciertos junto a Casey Jones and the Engineers. Esto sucedió en Octubre de ese mismo año, y para esa ocasión, sus compañeros de Yarbirds, lo reclutaron para formar ésta, su primera banda exitosa.

Con The Yarbirds, se ganó el apodo “Slowhand”, que significa mano lenta, aunque a pesar de eso no se puede dudar de su excelencia en el manejo de los tiempos y originalidad a la hora de componer. Tal vez sea eso, o tal vez que los géneros que lo eligieron para ser tocados no precisan mucha velocidad, como un guitarrista de punk o heavy metal. Por el motivo que sea, hace casi 40 años que Eric Clapton brilla como solista.